sábado, 29 de octubre de 2011

Itinerario (durante los ensayos)

“El teatro es una herramienta de conocimiento más que una técnica de diversión”
Enzo Cormann

Respecto a la crisis de hoy (lo mismo podemos decir de las revoluciones del Mediterráneo y del propio movimiento 15 M) carecemos de perspectiva. Cientos de veces se ha dicho que la conciencia llega tarde, en palabras de Hegel, el ave de Minerva (la razón) levanta el vuelo al crepúsculo… ¿Entonces cómo hablar del presente? Cuando el primer día de ensayos (el lunes 24) leímos los textos que había escrito, los actores emitieron sus opiniones acerca de este objeto literario y de su referente (la situación que vivimos). Donat sugirió el concepto de ironía a colación de los materiales y eso me hizo meditar, porque si bien la ironía (y sus fuegos de artificio) demuestran inteligencia, siempre he considerado que tiene un lado negativo en tanto que escudo de protección. Autoevaluándome, llegué a la conclusión de que había empleado la ironía para tomar una distancia, que no existe, con la realidad… ¿Es esta distancia de seguridad necesaria para generar ficción, para emitir juicios de valor sin miedo a que el tiempo o la historia los contradigan? ¿Es la ironía una forma de eludir responsabilidades? Otros conceptos muy interesantes surgieron de esta lectura activa, por ejemplo, “ruido” (que nos llevó a reflexionar sobre el uso actual que el teatro hace de la música electroacústica). En los textos conviven muchas voces, personas, pluralidad de puntos de vista… unos se sobreponen a otros generando confusión. De nuevo, la realidad más próxima se revela como un palimpsesto indescifrable.
El mismo día, Víctor propuso, según ha explicado en entradas anteriores, un ejercicio de playground que planteaba las diferentes texturas y matices que adquiere el mismo mensaje en distintos contextos (el privado, el público, el espectacular). ¿Cómo se dice el mismo texto en una comuna, en la cola del INEM, o en un spot publicitario…? Con esta dinámica, Víctor me descubrió una polisemia vastísima (que siempre se da por supuesta) inimaginable desde el escritorio o el teclado del ordenador. El contexto condiciona evidentemente el grosor de la máscara social, concepto en el que ahondaríamos en el segundo día de ensayos, el miércoles 26. Víctor incitó a los actores a llevar al cuerpo el universo de los textos. En días anteriores, habíamos hablado de las pequeñas rebeliones con que el organismo responde a rutinas extenuantes, ansiedad, estrés: acné, tics, cistitis… Aún cuando la sonrisa ejecuta su papel disimulador o sirve de camuflaje (“sistema pared blanca-agujero negro. Ancho rostro de mejillas blancas, rostro perforado por unos ojos como agujero negro. Cabeza de Clown, clown blanco, pierrot lunar, ángel de la muerte, santo sudario” -Gilles Deleuze-) el cuerpo es un archivo del la tortura silenciosa a la que nos somete el sistema.    
Por último, los monólogos trabajados a partir de las texturas emocionales de determinadas melodías del día 28, incidieron en una perspectiva individual. Víctor y yo estamos de acuerdo en que el individualismo es una realidad innegable de nuestros días que, aunque ha sido fomentada por el liberalismo, también presenta aspectos positivos. Para desear un mundo más honesto, menos corrupto, más justo… ¿no es necesario primero hacer una purga individual y/o responsabilizar al individuo dentro de la masa que sirve como excusa para justificar tantas atrocidades? “‘¡Quiero ver una sola cabeza!’ grita incansable el señor de la guerra, y su proyecto de que ‘todos desfilen como un solo hombre’ no es sólo una metáfora… El ‘sólo una cabeza ‘, el ‘como un solo hombre’ del señor de la guerra: eso es lo que intenta desenmascarar el dramaturgo, cuyo arte consiste precisamente en revelar, en volver a decir, en manifestar, en examinar… las multiplicidades, las singularidades, las diferencias, grandes o pequeñas; por decirlo brevemente, el individuo en la ciudad, la persona en el pueblo, lo singular en la multitud” –Enzo Cormann-. Cada actor desarrolló un carácter, cada uno hacía suyo el discurso con diferentes intenciones, de modo que barrían todo el maniqueísmo que pudiera haber en el material de base. Hubo momentos de realidad.

jueves, 27 de octubre de 2011

SEGUNDA SESIÓN DE TRABAJO

Segunda sesión
Tecnología política del cuerpo y “Tú sí que vales”
25 de octubre de 2011.
“El cuerpo está también directamente inmerso en un campo político; las relaciones de poder operan sobre él una presa inmediata; lo cercan, lo marcan, lo doman, lo someten a suplicio, lo fuerzan a unos trabajos, lo obligan a unas ceremonias, exigen de él unos signos. […] El cuerpo sólo se convierte en fuerza útil cuando es a la vez cuerpo productivo y cuerpo sometido. Pero este sometimiento […] puede no ser violento; puede ser calculado, organizado, técnicamente reflexivo, sutil, sin hacer uso ni de las armas ni del terror, y sin embargo permanecer dentro del orden físico. […] Este saber y este dominio del cuerpo constituyen lo que podría llamarse la tecnología política del cuerpo.
(Michel Foucalt, Vigilar y castigar.)

Objetivos:
-         Probar algunas posibles traducciones escénicas de determinados conceptos presentes en Linfojobs:
*     La tecnología política del cuerpo.
*    La expresión del yo en una sociedad del espectáculo.

Plan de trabajo:
  1. Lectura del texto y pequeño análisis de Linfojobs.
  2. Planteamiento de la dinámica de trabajo del día.
  3. Calentamiento (Estiramientos y respiración en común.)
  4. Trabajo sobre el cuerpo.
  5. Trabajo sobre una situación.

Desarrollo de los objetivos:
            Comenzamos la sesión de trabajo analizando el texto de Linfojobs: qué situación y qué acciones concretas plantea el texto, cual es el conflicto fundamental etc. Tras lo cual se les explicó a los actores brevemente en qué consiste el concepto de tecnología política del cuerpo, base del trabajo en la primera parte del ensayo. Y lancé una pregunta, para que intentáramos contestar en acción  durante el trabajo: ¿Qué tipo de fisicidad tienen los cuerpos en el texto de María? Tras esta puesta en común, y tras definir los objetivos del día, nos pusimos manos a la obra. Comenzamos con un ligero calentamiento y estiramiento. La respuesta de los actores en relación al ejercicio de la respiración en común de la sesión anterior fue muy positiva, así que decidí volver a plantearlo, así como en lo sucesivo, como punto de partida del trabajo coral. El desarrollo del ejercicio de respiración condujo a recordar (en movimiento) lo trabajado en la sesión anterior: registro de las características del espacio escénico y de los tres tipos de espacio a trabajar. Como método para hincar el diente al concepto de tecnología política del cuerpo, y mientras los actores trabajaban sobre los tres espacios, les planteé que escogieran una característica física de las que estaban probando por cada uno de los espacios. Tras hacerlos, les animé a que se movieran por el espacio intentando integrar las tres características físicas a la vez. El resultado resultó revelador. Los cuerpos estaban en conflicto, habían cambiado, eran más expresivos, más teatrales. A ese trabajo físico le incorporamos un elemento más, el de la expresividad facial como máscara de gran sonrisa. Fue entonces cuando el contraste físico se acentuó y concretó. A continuación, incorporamos la voz, y vimos cómo la voz se veía afectada por las estructuras físicas que estaban trabajando. Luego, planteé unas improvisaciones en la que los actores, desde el trabajo de esa fisicidad, se relacionaban unos con otros. Resultó sorprendente y grato descubrir que el trabajo corporal de los actores condicionaba muy positivamente la recepción de los textos de María. Los contextualizaba escénicamente. Resultaba mucho más verosímil que esos cuerpos pronunciaran esas palabras que los que las pronunciaron la sesión anterior. Por último, señalar que a María le parecieron muy interesantes los tipos de relaciones que predominaban en este último ejercicio, relaciones de poder entre los cuerpos, entre opresores y oprimidos. O mejor dicho, entre oprimidos opresores y oprimidos a secas.
 
 Tras esa primera parte del ensayo, planteé un trabajo más relacionado con el texto. Se trataba de improvisar con el texto dentro de una situación dramática concreta. Propuse el programa de televisión “Tú sí que vales”, en el cual tres miembros de un jurado juzgan las cualidades artísticas de los participantes. La intención era invitar a los actores, de manera inmediata y divertida, a trabajar sobre la contextualización espectacular de un material personal. Después de todo, Linfojobs trata sobre la frustrante búsqueda de trabajo y la consiguiente decepción y sentimiento de inseguridad. El resultado, además de divertido, fue muy clarificador. Se pudo apreciar como el tipo de textualidad que propone Maria tiene una gran elasticidad, o lo que es lo mismo, permite o necesita, ser completada con elementos puramente escénicos de diversa naturaleza. Ahí reside el reto. Ir concretando qué elementos funcionan y cuales no. Para finalizar, hicimos una pequeña evaluación del trabajo del día y planteamos la dirección de la siguiente sesión de trabajo.

SOBRE LA SOCIEDAD DEL ESPECTÁCULO (Esta entrada debería haber sido la primera de las mías.)

Toda la vida de las sociedades en las que dominan las condiciones modernas de producción se presenta como una inmensa acumulación de espectáculos. Todo lo que era vivido directamente se aparta en una representación. […] El espectáculo no es un conjunto de imágenes, sino una relación social entre personas mediatizada por imágenes.[…] El espectáculo, comprendido en su totalidad, es a la vez el resultado y el proyecto del modo de producción existente. No es un suplemento al mundo real, su decoración añadida. Es el corazón del irrealismo de la sociedad real. Bajo todas sus formas particulares, información o propaganda, publicidad o consumo directo de diversiones, el espectáculo constituye el modelo presente de la vida socialmente dominante. Es la afirmación omnipresente de la elección ya hecha en la producción y su consumo corolario. Forma y contenido del espectáculo son de modo idéntico la justificación total de las condiciones y de los fines del sistema existente.
(Guy Debord, La sociedad del espectáculo)

miércoles, 26 de octubre de 2011

ITINERARIO (ANTES DE LOS ENSAYOS)

La lectura en orden cronológico de los textos generados a lo largo de “Universos de lo real”, con la que inauguramos los ensayos el día 24, me reveló un itinerario que había hecho de manera inconsciente, siguiendo las directrices de Borja, reemplazándolas a veces por intuiciones, y apartándome de las hipótesis iniciales (sobre las modalidades del documental) para indagar en una epistemología de la mímesis.

Comencé buscando la realidad a pie de calle (las fuentes periodísticas no bastaban). Entrevisté a vendedores de “La Farola” e intenté hacer una transcripción exacta de uno de los diálogos... el más dramático. La conversación fue en inglés… la propia traducción suponía ya una interpretación. Pero la traslación no terminaba ahí. Suprimiendo los tiempos muertos, las repeticiones y las lagunas, la realidad dejó de serlo, aunque la escena, en un código más o menos naturalista se fingía real. Titulé el ejercicio “LA OGRA FILÁNTROPA” pensando en los intentos vanos de los primeros etnógrafos por adentrarse en las culturas africanas. Era verosímil pero no era verdad.
Después de un primer conato llegó la crisis. En mi siguiente ejercicio ponía de manifiesto mi duda acerca del propio objetivo del laboratorio, TEATRO DOCUMENTAL me parecía un binomio imposible, como DEMOCRACIA REAL. Borja dijo que “DETRACCIÓN DE EUCLIDES” (también podría haberse llamado detracción de las matemáticas), donde reflexionaba metateatralmente acerca de aquello específico del teatro con lo que mejorar la comunicación del dato real, era como la crónica de un empeño imposible. Aún así, el texto contenía hipótesis: una vía era dar a las cifras la verdad de la ficción.
Eso es lo que hice, con mayor o menor suerte, en “WORKAHOLIC”, donde alterno una píldora de una noticia real sobre el aumento de la adicción al trabajo, con una píldora de ficción, un cuento brevísimo sobre una ejecutiva  que sólo libraba un día de siete, y ese día, se sentía la más desgraciada. El ejercicio me satisfizo muy poco. De hecho, lo guardé en un cajón. Me parecía frío e impersonal… cuando lo que yo espero del teatro documento es cierta agitación social.
Tomé la siguiente vía que planteaba en “DETRACCIÓN DE EUCLIDES” consistente, no sólo ficcionalizar el dato real, sino en hacer un primer plano. Mostrar una voz… hacer una confesión privada que tenga resonancias en lo público. En “CONTRA LOS DISCURSOS Y LAS REPRESENTACIONES DE LAS SEÑORES DE LA VANIDAD” coexistía el discurso de un personaje-dramaturgo con el collage de materiales reales extraídos del boletín de ACNUR y de VANIDAD, una revista de tendencias. Cuando lo leí, yo misma sentí mucho asco. Hay algo maniqueo en ese texto que lo hace perturbador. Víctor Velasco, el director, compartió la sensación. A los dos nos parecía “peligroso” ponerlo en escena… la posibilidad de resquebrajar la ideología que nosotros, en tanto que autores, compartimos con el público objetivo de Cuarta Pared.
Creo que “LINFOJOBS”, que asociaba la idea de linfoma y capitalismo, era una síntesis de todas las texturas anteriores. Borja me había invitado a buscar la realidad en la antiteatralidad. Viajé del naturalismo inicial de la “LA OGRA FILÁNTROPA” a una antiteatralidad, que no era verosímil y sin embargo era verdad, y me salía muy de dentro, como un vómito. A estas alturas ya no sé diferenciar noticiario diario de diario noticiario. La subjetividad me parece lo único que puedo aportar al dato real. Quizá los reportajes de “PREPARADOS” son más legibles que cualquier noticia sobre la crisis porque están contados en primera persona. Frente a los telediarios o periódicos, donde la subjetividad se invisibiliza mediante un “grado de escritura cero”, quizá lo honesto sea  la propaganda, la arenga… o la autoría.

martes, 25 de octubre de 2011

PRIMERA SESIÓN DE TRABAJO


Primera sesión
Primer contacto y “topografía” del espacio escénico.
23 de octubre de 2011.

“Al definir el paisaje, por ejemplo, podemos decidir que el proscenio tiene una gran densidad, es difícil moverse en el mismo; mientras que el fondo tiene menor densidad y por tanto conlleva una mayor fluidez y tiempos más rápidos.”
(Tina Landau. Anne Bogart. Los puntos de Vista Escénicos.)
topografía. (Del gr. τόπος, lugar, y -grafía). 1. f. Arte de describir y delinear detalladamente la superficie de un terreno. 2. f. Conjunto de particularidades que presenta un terreno en su configuración superficial. (R.A.E.)

Objetivos:
-         Establecer un primer contacto con los integrantes del grupo.
-         Facilitar a los actores el acercamiento al universo dramático planteado por María.
-         Empezar a trabajar con conceptos escénicos derivados de los textos de María: El coro y el espacio.

Plan de trabajo:
1.      Explicación de la naturaleza del proyecto a los actores integrantes del mismo.
2.      Puesta en común del trabajo textual.
3.      Valoración personal por parte de los actores del material.
4.      Calentamiento. (Estiramientos, respiración en común.)
5.      Trabajo sobre el espacio.
6.      Evaluación del trabajo.

Desarrollo de los objetivos:
            Tras la bienvenida y un primer contacto, se le explicó al grupo la naturaleza del proyecto, tras la cual, y con el fin de completarla, planteé un pequeño “trabajo de mesa” consistente en la lectura de los textos anteriores que María había escrito. Me interesaba mucho que los actores tuvieran una idea de dónde procedían los textos Linfojobs y Workaholic que habían memorizado para las sesiones de trabajo. También me interesaba saber su opinión personal en relación al tema que trataban, y que tuvieran una percepción más global del “universo” que plantean los textos. La lectura resultó muy elocuente para María y para mí, porque pudimos comprobar cómo el sentido y las connotaciones de un texto pueden variar en función de quién lo lee y de cómo lo lee. Después, propuse una pequeña puesta en común sobre qué les habían provocado los textos y qué opinión o impresión personal tenían de la crisis actual. Este tipo de trabajo, favorece un proceso de identidad grupal, a la vez que abre muchas posibilidades de trabajo. Creo que la primera impresión que recibimos de un texto o de una situación determinada, está preñada de una potencialidad creativa máxima. A continuación, María y yo explicamos los conceptos fundamentales de los textos y la traducción escénica que propongo para los mismos, estableciendo así, las bases de las sesiones de trabajo. Son sólo bases, porque a día de hoy, todavía no sabemos cómo se produce esa traslación del papel al escenario. Precisamente es eso lo que nos disponemos a descubrir.
            Tras esta primera parte de la sesión, hicimos un pequeño calentamiento a base de estiramientos como preludio al trabajo puramente escénico. Como uno de los conceptos sobre los que he planteado investigar es el de “coro subjetivo”, hicimos un ejercicio de respiración en común, que ayuda a la unidad del elenco. El desarrollo del ejercicio de respiración se traduce en la relación con los diferentes aspectos del actor y el espacio escénico (formas, arquitectura, texturas, relaciones espaciales, colores, topografía, etc.) Una vez que los actores hubieron “registrado” el espacio, y todas sus posibilidades, y una vez definidos tres espacios diferentes dentro del espacio de trabajo, les planteé que registraran los cambios físicos que se producían cuando se encontraban en cada uno de los espacios delimitados por marcas en el suelo: privado (íntimo), público (o social) y espectacular (o mediático). Incorporamos textos al azar e intentamos establecer una relación entre los actores ocupando espacios de naturaleza diferente. El trabajo en cada uno de los tres espacios propuestos tendió a un tono determinado. Así, en el espacio íntimo, los actores accionaban con una calidad de movimiento que les conducía a cierta melancolía; en el público, hacia cierta representación de los convencionalismos sociales, y en el espectacular hacia algo básicamente “positivo”. Este ejercicio se desarrolló intentando exprimir las múltiples posibilidades o combinaciones que se podían producir trabajando con esos tres espacios. Para finalizar, invertimos los espacios, quedando el espacio íntimo en primer término y el espectacular en el fondo. Y nos dimos cuenta que lo que se apreciaba desde fuera cambiaba notablemente.
            Para finalizar, hicimos una pequeña evaluación del trabajo del día y planteamos la dirección de la siguiente sesión de trabajo.












sábado, 15 de octubre de 2011

Algunas reflexiones sobre la investigación, la creación, la revolución y la crisis

A colación de dos lecturas recientes, LA INVESTIGACIÓN EN ARTES ESCÉNICAS, de José Antonio Sánchez y Victoria Pérez Royo, y TESIS A FAVOR DEL ANARQUISMO, de Paul Feyerabend, me han abordado preguntas sobre la finalidad de la investigación en el teatro y lo social...

La investigación y la creación, si son,
amenazan el orden establecido.
Son anarquistas y anarquizantes.
Su modelo es la otra vía, Edgar Morin.
Su modelo es el devenir, Deleuze y Guatari.
Su modelo es la peste, Artaud.
No sólo el cliché es un motivo de malestar…
El contracliché es la otra piedra en el zapato
Del investigador, del creador, si son,
Si no temen morir en la hoguera.
Si no temen la exclusión.
(Ni del mercado del arte: museos, galerías, marchantes, negreros,
Ni del mercado de la ciencia: laboratorios, patentes, vacunas, sida,
Qué más da)

Si no temen la soledad escrita con letras mayúsculas.

La crisis es una oportunidad,
Orden-sistema-dispositivo
Comprenden que la errata sobrevive al ataque atómico
Y el mismo, ellos mismos, se vuelven anárquicos y anarquizantes.
El investigador, el creador, por qué no, el anarquista,
Amigos de Platón, pero por qué no, Plutón.
Por qué el médico desprecia la cábala
Si el artista no desprecia a Giotto, la pintura rupestre…
El garabato?

Investigación y revolución
Se agotan en sí mismas
Porque
Cuando la revolución triunfa es reabsorbida por el orden
Y así cuando la investigación demuestra una hipótesis…
Existen, si son, gracias a la incertidumbre.
La ignorancia.
Y el miedo a la muerte
Que nos impide ser libres
Que nos impide llevar el arte a la vida
Sin miedo al nazismo.
El statu quo reduce I+D,
Reduce (idem.) los impulsos revolucionarios…
A veces, simplemente, tolerándolos…
A esto se le llama TOLERANCIA REPRESIVA

Toda obra, si es, supone una revolución.
Al menos, una revolución interior.
Y puede que muchas revoluciones interiores
Den el resultando de una revolución con R mayúscula (Daniel Cohn Bendit)
La revolución pone en pie millares de pequeñas puestas en escena.
Y donde unos ven un contenedor quemado, otros ven un ready made.
¿El orden? Ven muerte.
Donde unos, vandalismo; otros, creación.
Donde unos ven progreso; otros, ruinas (Benjamin)
Creación e investigación en la entropía.
Crear desde el orden es reproducir.
Revolución e investigación dicen no a la teleología,
Su fin es el proceso...
En el surgen sí-es (en plural) y fines diminutos.
Revolución, investigación o palimpsesto.
Revolución e investigación son como esos muros…
En los que se escriben obscenidades. REVULSIVOS.